Informație

Cele mai ciudate imagini

Cele mai ciudate imagini



We are searching data for your request:

Forums and discussions:
Manuals and reference books:
Data from registers:
Wait the end of the search in all databases.
Upon completion, a link will appear to access the found materials.

Arta frumoasă este capabilă să ofere o serie întreagă de emoții. Unele tablouri sunt învăluite în ghicitori mistice, în timp ce altele, principalul lucru este prețul lor prohibitiv.

Există multe imagini ciudate în istoria picturii mondiale. Și deși conceptul de ciudățenie este subiectiv, se pot desemna acele opere cunoscute care ies în evidență în mod clar din rândul general.

Edvard Munch „The scream”. Lucrarea cu o dimensiune de 91x73,5 cm a fost creată în 1893. Munch a pictat-o ​​în uleiuri, pasteluri și tempera, astăzi pictura este păstrată în Galeria Națională Oslo. Creația artistului a devenit un reper pentru impresionism, în general este una dintre cele mai faimoase tablouri din lume. Munch însuși a spus povestea creației sale: "Mergeam pe cale cu doi prieteni. În acest moment soarele apunea. Deodată cerul s-a înroșit de sânge, m-am oprit, simțindu-mă epuizat și m-am sprijinit de gard. Am privit sângele și flăcările peste albastru - un fiord negru și un oraș. Prietenii mei au continuat și am rămas în continuare, tremurând de entuziasm, simțind strigătul nesfârșit care străpungea natura. " Există două versiuni ale interpretării sensului tras. Se poate considera că personajul înfățișat este confiscat cu groază și țipete tăcute, apăsându-și mâinile spre urechi. O altă versiune spune că bărbatul și-a închis urechile din țipătul care urla în jurul lui. În total, Munch a creat până la 4 versiuni de „Scream”. Unii experți consideră că acest tablou este o manifestare clasică a psihozei maniaco-depresive din care a suferit artistul. Când Munch a fost tratat în clinică, nu a revenit niciodată la această pânză.

Paul Gauguin "De unde am venit? Cine suntem? Unde mergem?" În Muzeul de Arte Plastice din Boston, puteți găsi această lucrare impresionistă de 139,1 x 374,6 cm. A fost pictată în ulei pe pânză în 1897-1898. Această lucrare profundă a fost scrisă de Gauguin la Tahiti, unde s-a retras din agitația vieții pariziene. Pictura a devenit atât de importantă pentru artist, încât după finalizarea lui a vrut chiar să se sinucidă. Gauguin credea că ea era cea mai bună pe capul pe care îl crease el înainte. Artistul credea că nu va fi capabil să creeze ceva mai bun sau similar, pur și simplu nu mai avea nimic de străduit. Gauguin a trăit încă 5 ani, dovedind adevărul judecăților sale. El însuși a spus că imaginea sa principală trebuie privită de la dreapta la stânga. Există trei grupuri principale de figuri, care personifică întrebările la care piesa are dreptul. Trei femei cu un copil arată începutul vieții, la mijloc oamenii simbolizează maturitatea, bătrânețea este reprezentată de o femeie în vârstă care își așteaptă moartea. Se pare că s-a împăcat cu asta și se gândește la ceva propriu. La picioarele ei se află o pasăre albă, care simbolizează lipsa de sens a cuvintelor.

Pablo Picasso „Guernica”. Creația lui Picasso este păstrată în Muzeul Reina Sofia din Madrid. O pictură mare, de 349 pe 776 cm, pictată în ulei pe pânză. Acest tablou-mural a fost creat în 1937. Imaginea spune despre atacul piloților voluntari fasciști din orașul Guernica. În urma acelor evenimente, orașul cu o populație de 6 mii de oameni a fost complet prăpădit. Artistul a creat această imagine în doar o lună. În primele zile, Picasso a lucrat 10-12 ore, în primele sale schițe ideea principală era deja vizibilă. Drept urmare, imaginea a devenit una dintre cele mai bune ilustrații ale ororilor fascismului, cruzimii și mâhnirii umane. În „Guernica” puteți vedea o scenă de atrocitate, violență, moarte, suferință și neputință. Deși motivele pentru aceasta nu sunt explicite în mod explicit, ele sunt clare din istorie. Se spune că în 1940 Pablo Picasso a fost chiar chemat la Gestapo la Paris. El a fost imediat întrebat: "Ai făcut-o?" La care artistul a răspuns: „Nu, ai făcut-o”.

Jan van Eyck "Portretul cuplului Arnolfini". Acest tablou a fost pictat în 1434 în ulei pe lemn. Dimensiunile capodoperei sunt 81.8x59.7 cm, și sunt păstrate în London National Gallery. Se presupune că tabloul îl înfățișează pe Giovanni di Nicolao Arnolfini împreună cu soția sa. Opera este una dintre cele mai dificile din școala occidentală de pictură din perioada Renașterii de Nord. Acest tablou celebru conține un număr imens de simboluri, alegorii și diverse indicii. Că există doar semnătura artistului „Jan van Eyck a fost aici”. Drept urmare, pictura nu este doar o operă de artă, ci un adevărat document istoric. La urma urmei, prezintă un eveniment real pe care Van Eyck l-a capturat. Această imagine a devenit foarte populară în Rusia, deoarece, cu ochiul liber, se observă asemănarea lui Arnolfini cu Vladimir Putin.

„Demonul așezat” al lui Mikhail Vrubel. Această capodoperă de Mikhail Vrubel, pictată de el în ulei în 1890, este păstrată în Galeria Tretyakov. Dimensiunile pânzei sunt de 114x211 cm. Demonul prezentat aici este surprinzător. El apare ca un tânăr trist, cu părul lung. De obicei oamenii nu reprezintă astfel spiritele rele. Vrubel însuși, despre cel mai cunoscut tablou al său, a spus că în înțelegerea sa demonul nu este atât un spirit rău, cât un suferincios. În același timp, nu i se poate nega autoritatea și demnitatea. Demonul lui Vrubel este o imagine, în primul rând, a spiritului uman, care domnește în noi în luptă constantă cu noi înșine și îndoieli. Această creatură, înconjurată de flori, și-a strâns tragic mâinile, cu ochii uriași, cu tristețe, se uită în depărtare. Întreaga compoziție exprimă constrângerea figurii demonului. Pare să fie stors în această imagine între partea de sus și partea inferioară a cadrului.

Vasily Vereshchagin „Apoteoza războiului”. Imaginea a fost pictată în 1871, însă autorul părea să prevadă ororile viitoarelor războaie mondiale. Pânza de 127x197 cm este păstrată în Galeria Tretyakov. Vereshchagin este considerat unul dintre cei mai buni pictori de luptă din pictura rusă. Totuși, nu a scris războaie și bătălii pentru că i-a iubit. Artistul a încercat să transmită oamenilor atitudinea sa negativă față de război prin intermediul artelor plastice. Odată Vereshchagin a promis că nu va mai picta imagini de luptă. Până la urmă, pictorul a luat mâhnirea fiecărui soldat rănit și ucis prea aproape de inima lui. Rezultatul unei atitudini atât de dure la acest subiect a fost „Apoteoza războiului”. O imagine groaznică și fascinantă înfățișează un munte de cranii umane într-un câmp cu ciorile în jur. Vereshchagin a creat o pânză emoțională, în spatele fiecărui craniu dintr-o grămadă uriașă este urmărită istoria și soarta indivizilor și oamenilor apropiați. Artistul însuși a numit sarcastic acest tablou o viață vie, pentru că înfățișează natura moartă. Toate detaliile despre „Apoteoza războiului” strigă despre moarte și goliciune, se poate vedea chiar și pe fundalul galben al pământului. Iar albastrul cerului subliniază doar moartea. Ideea ororilor războiului este accentuată prin găuri de gloanțe și semne de sabl pe cranii.

Grant Wood "gotic american". Această pictură mică măsoară 74 de 62 cm. A fost creată în 1930 și este acum păstrată la Institutul de Artă din Chicago. Pictura este unul dintre cele mai cunoscute exemple de artă americană din secolul trecut. Deja în vremea noastră, numele „gotic american” este adesea menționat în mass-media. Tabloul prezintă un tată destul de sumbru și fiica sa. Numeroase detalii spun despre gravitatea, puritanismul și osificarea acestor oameni. Au fețe nemulțumite, un vârf agresiv în mijlocul imaginii, iar hainele de cuplu sunt de modă veche chiar și după standardele vremii. Chiar și cusătura de pe hainele fermierului urmărește forma unui cerb, dublând amenințarea pentru cei care se apleacă asupra stilului său de viață. Detaliile imaginii pot fi studiate la nesfârșit, simțind disconfort fizic. Este interesant faptul că, la un moment dat, la un concurs la Institutul de Arte din Chicago, imaginea a fost acceptată de judecători ca fiind plină de umor. Dar oamenii din Iowa l-au jignit pe artist pentru că i-au expus într-o perspectivă atât de neatractivă. Modelul pentru femeie a fost sora lui Wood, dar prototipul bărbatului furios a fost stomatologul pictorului.

Rene Magritte „Iubitorii”. Pictura a fost pictată în 1928 în ulei pe pânză. Cu toate acestea, există două opțiuni. Într-unul dintre ei, un bărbat și o femeie se sărută, doar capetele lor sunt înfășurate în pânză albă. Într-o altă versiune a imaginii, iubitorii se uită la privitor. Desenat și surprinzător, și vrăjitor. Figurile fără fețe simbolizează orbirea iubirii. Se știe că iubitorii nu văd pe nimeni în jur, dar nu putem vedea adevăratele lor sentimente. Chiar unul pentru celălalt, acești oameni, orbiți de sentimente, sunt de fapt un mister. Și deși mesajul principal al imaginii pare clar, „Iubitorii” te fac încă să te uiți la ei și să te gândești la dragoste. În general, aproape toate tablourile lui Magritte sunt puzzle-uri, care sunt complet imposibil de rezolvat. La urma urmei, aceste pânze ridică principalele întrebări despre sensul vieții noastre. În ele, artistul vorbește despre natura iluzorie a ceea ce vedem, despre faptul că există multe lucruri misterioase în jurul nostru pe care încercăm să nu le observăm.

Marc Chagall „Plimbare”. Pictura a fost pictată în ulei pe pânză în 1917, acum este păstrată în Galeria de Stat Tretyakov. În lucrările sale, Marc Chagall este de obicei serios, dar aici și-a permis să-și arate sentimente. Tabloul exprimă fericirea personală a artistului, este plin de dragoste și alegorii. „Plimbarea” lui este un autoportret, în care Chagall și-a înfățișat soția Bella lângă el. Aleasa lui se înălță pe cer, ea urmează să-l târască pe artistul de acolo, care s-a ridicat deja aproape de pământ, atingând-o doar cu vârfurile pantofilor. În cealaltă mână a bărbatului este un tit. Putem spune că în acest fel Chagall și-a înfățișat fericirea. Are o macara pe cer, sub forma unei femei iubite, și un tit în mâini, prin care a însemnat munca lui.

Hieronymus Bosch „Grădina încântărilor pământene”. Această pânză de 389x220 cm este păstrată în Muzeul Dreptului din Spania. Bosch a pictat o pictură în ulei pe lemn în anii 1500-1510. Acesta este cel mai faimos triptic al lui Bosch, deși imaginea are trei părți, este denumită după cea centrală, dedicată voluptății. Există dezbateri constante în jurul sensului unei imagini ciudate, nu există o astfel de interpretare care să fie recunoscută ca fiind singura corectă. Interesul pentru triptic apare datorită numeroaselor mici detalii care exprimă ideea principală. Există figuri translucide, structuri neobișnuite, monștri, coșmaruri și viziuni întrupate și variații infernale ale realității. Artistul a putut să privească toate acestea cu un aspect ascuțit și căutător, reușind să combine elemente diferite într-o singură pânză. Unii cercetători au încercat să vadă în imagine o reflectare a vieții umane, pe care autorul a arătat-o ​​în zadar. Alții au găsit imagini de dragoste, cineva a descoperit triumful voluptății. Cu toate acestea, este îndoielnic că autorul încerca să glorifice plăcerile carnale. La urma urmei, figuri de oameni sunt înfățișate cu detașare la rece și inocență. Iar autoritățile bisericii au reacționat destul de favorabil la această imagine a lui Bosch.

Gustav Klimt „Trei vârste ale unei femei”. Acest tablou este situat în Galeria Națională de Artă Modernă Romană. Pânza lată de 180 cm lățime a fost pictată în ulei pe pânză în 1905. Acest tablou exprimă bucurie și tristețe în același timp. Artista din trei figuri a putut să arate întreaga viață a unei femei. Primul, încă un copil, este extrem de îngrijit. O femeie matură exprimă pacea, iar ultima vârstă simbolizează disperarea. În același timp, vârsta mijlocie este țesută organic în podoaba de viață, iar cea veche se remarcă vizibil pe fondul său. Contrastul clar dintre o tânără și o femeie mai în vârstă este simbolic. Dacă înflorirea vieții este însoțită de numeroase oportunități și schimbări, atunci ultima fază este constanța înrădăcinată și conflictul cu realitatea. O astfel de imagine atrage atenția și face pe cineva să se gândească la intenția artistului, la profunzimea ei. Conține toată viața cu inevitabilitatea și metamorfozele sale.

Egon Schiele „Familia”. Această pânză măsoară 152,5x162,5 cm, vopsită în ulei în 1918. Acum este păstrat în Belvedere-ul din Viena. Profesorul lui Schiele era Klimt însuși, dar studentul nu a încercat deloc să-l copieze cu sârguință, căutându-și propriile metode de exprimare. Putem spune cu siguranță că operele lui Schiele sunt și mai tragice, mai înspăimântătoare și mai ciudate decât cele ale lui Klimt. Unele elemente de astăzi s-ar numi pornografice, există multe perversiuni diferite, naturalismul este prezent în toată frumusețea sa. În același timp, tablourile sunt literalmente pătrundute cu un fel de disperare dureroasă. Culmea operei lui Schiele și tabloul său cel mai recent este „Familia”. În această pânză, disperarea este adusă la maxim, în timp ce opera în sine s-a dovedit a fi cea mai puțin ciudată pentru autor. După ce soția sa însărcinată Schiele a murit de gripa spaniolă și cu puțin timp înainte de moartea sa, această capodoperă a fost creată. Au trecut doar 3 zile între cele două morți, acestea au fost suficiente pentru ca artistul să se înfățișeze împreună cu soția și copilul său nenăscut. Pe atunci, Schiele avea doar 28 de ani.

Frida Kahlo „Two Frida”. Imaginea s-a născut în 1939. Artistul mexican Frida Kahlo a devenit celebru după lansarea unui film despre ea cu Salma Hayek în rolul principal. Lucrarea artistei s-a bazat pe autoportretele ei. Ea însăși a explicat acest fapt după cum urmează: „Mă scriu pentru că petrec mult timp singur și pentru că sunt subiectul pe care îl cunosc cel mai bine”. Este interesant faptul că Frida nu zâmbește în niciunul din tablourile sale. Fața ei este serioasă, chiar oarecum îndurerată. Sprancenele stufoase topite și antene abia vizibile deasupra buzelor comprimate exprimă seriozitatea maximă. Ideile tablourilor stau în figurile, fundalul și detaliile a ceea ce înconjoară Frida. Simbolismul tablourilor se bazează pe tradițiile naționale din Mexic, strâns legate între ele cu vechea mitologie indiană. „Two Frida” este una dintre cele mai bune imagini cu femeia mexicană. În ea, principiile masculine și feminine sunt afișate într-un mod original, având un singur sistem circulator. Astfel, artistul a arătat unitatea și integritatea acestor două opuse.

Claude Monet "Podul Waterloo. Efect de ceață". Acest tablou de Monet poate fi găsit în Schitul St. A fost pictat în ulei pe pânză în 1899. La o examinare mai atentă a imaginii, apare ca o pată purpurie, cu lovituri groase aplicate pe ea. Cu toate acestea, îndepărtându-se de pânză, privitorul își înțelege toată magia. În primul rând, semicercurile vagi care trec prin centrul imaginii devin vizibile, contururile bărcilor apar. Și de la o distanță de câțiva metri, puteți vedea deja toate elementele din imagine, care sunt conectate într-un lanț logic.

Jackson Pollock „Numărul 5, 1948”. Pollock este un clasic al genului expresionismului abstract. Cea mai cunoscută pictură a sa este cea mai scumpă din lume astăzi. Iar artistul a pictat-o ​​în 1948, vărsând pur și simplu vopsea în ulei peste placă din fibre care măsoară 240x120 cm pe podea. În 2006, acest tablou a fost vândut la Sotheby's pentru 140 de milioane de dolari. Proprietarul anterior, colecționarul și producătorul de film David Giffen, l-a vândut finanțatorului mexican David Martinez. Pollock a spus că a decis să se îndepărteze de instrumente artistice atât de cunoscute precum șevaletul, vopselele și periile. Uneltele lui erau bastoane, cuțite, buchete și vopsea. A folosit și un amestec din acesta cu nisip sau chiar sticlă spartă. Începând să creeze. Pollock se predă inspirației, nici măcar nu-și dă seama ce face. Abia atunci realizarea perfectului. În același timp, artistul nu are nici o teamă să distrugă imaginea sau să o schimbe din neatenție - poza începe să-și trăiască propria viață. Sarcina lui Pollock este să o ajute să se nască, să iasă.Dar dacă stăpânul pierde contactul cu creația sa, atunci rezultatul va fi haosul și murdăria. Dacă are succes, tabloul va întruchipa armonie pură, ușurință de primire și întruchiparea inspirației.

Joan Miró "Un bărbat și o femeie în fața unui morman de excremente." Acest tablou este acum păstrat în colecția artistului din Spania. Acesta a fost pictat în ulei pe o foaie de cupru în 1935, în doar o săptămână, între 15 și 22 octombrie. Dimensiunea creației este de doar 23x32 cm. În ciuda unui nume atât de provocator, imaginea vorbește despre ororile războaielor civile. Însuși autorul a înfățișat evenimentele din acei ani care au avut loc în Spania. Miro a încercat să arate o perioadă de griji. În imagine, puteți vedea bărbatul și femeia nemișcate, care, cu toate acestea, sunt atrase unele de altele. Pânza este saturată de flori otrăvitoare neplăcute, împreună cu organele genitale mărite, arată în mod deliberat dezgustător și dezgustător de sexy.

Jacek Jerka „Eroziunea”. În lucrările acestui neo-suprarealist polonez, imaginile realității, care se împletesc, dau naștere unei noi realități. În unele moduri, chiar și imaginile atingătoare sunt extrem de detaliate. Ei simt ecourile suprarealiștilor din trecut, de la Bosch la Dali. Yerka a crescut într-o atmosferă de arhitectură medievală care a supraviețuit miraculos bombardamentelor din cel de-al doilea război mondial. A început să deseneze chiar înainte de a intra în universitate. Au încercat să-i schimbe stilul într-unul mai modern și mai puțin detaliat, însă Yerka însuși și-a păstrat individualitatea. Astăzi picturile sale neobișnuite sunt expuse nu numai în Polonia, ci și în Germania, Franța, Monaco și SUA. Se găsesc într-o serie de colecții din întreaga lume.

Bill Stoneham „Mâinile rezistă Lui”. Pictura, pictată în 1972, este cu greu o pictură clasică. Cu toate acestea, nu există nici o îndoială că este una dintre cele mai ciudate creații ale artiștilor. Tabloul înfățișează un băiat, alături de el este o păpușă, iar numeroase palme sunt presate de sticla din spate. Această pânză este ciudată, misterioasă și oarecum mistică. Este deja supraîncărcat de legende. Ei spun că, din această imagine, cineva a murit, iar copiii de pe ea sunt în viață. Pare cu adevărat înfiorător. Nu este surprinzător faptul că tabloul evocă temeri și fantezii stranii pentru persoanele cu o mentalitate bolnavă. Însuși Stoneham s-a asigurat că s-a pictat singur la vârsta de 5 ani. Ușa din spatele băiatului este bariera dintre realitate și lumea viselor. Păpușa, în schimb, este un ghid care poate duce un copil dintr-o lume în alta. Mâinile sunt vieți alternative sau capacități umane. Tabloul a devenit celebru în februarie 2000. Acesta a fost scos la vânzare pe eBay, spunând că are fantome. În cele din urmă, Hands Resist Him a fost cumpărat pentru 1.010 USD de Kim Smith. Curând cumpărătorul a fost literalmente inundat de scrisori cu povești înfricoșătoare asociate picturii și cere să distrugă această pânză.


Priveste filmarea: UIMITOR! TOP Cele Mai CIUDATE Standarte De FRUMUSETE Din LUME (August 2022).